NICU 音楽療法は世界的に関心が高まっている。米国でも多くの音楽療法士がNICU 音楽療法を提供し、研究や訓 練などが発展し広がり続けている。初めての音：リズム、ブレス、ララバイ（RBL）モデルNICU 音楽療法は現在15 か国以上で行われ，乳児，親・ケアをする人，環境へ働きかける。生演奏で子宮内の音環境に似た音や音楽を使用し，体重増加へつながる吸啜反応・哺乳活動の支援，困難な呼吸、鎮静，睡眠の誘発，医療処置中の鎮静，疼痛管理や自己調整などに取り組む。乳児の親・ケアをする人へ家族にとって特別な曲（Song of Kin）を使用して乳児との絆・愛着形成を支援する。さらに、病棟内に潜在する緊張感を和らげるために環境音楽療法を提供する。

  The purpose of this study is to examine how a practical model, which integrates the pastness, or historical context, as described in the teaching guides for the courses of study, with the presentness, or the perspective of empirically grasping the “meaning and role of music” in everyday “places” can be a pragmatic appreciation practice to consider the “Meaning and Role of Music in Life and Society” in the music department of junior high schools.

  The author first relies on Tia DeNora, a British sociologist, to show the necessity of a perspective that empirically grasps the “meaning and role of music” in everyday “places” in this study.

  Next, the author presents a practical model based on DeNora's theory, examines it, and then clarifies how this practice can provide a pragmatic perspective compared to the teaching methods given in the teaching guides for the courses of study.

  The results reveal the following.

  The appreciation practice of empirically grasping the “eaning and role of music” in everyday “places” and considering the “Meaning and Role of Music in Life and Society” has prepared a view that can lead to music education with a pragmatic perspective by understanding the actual music culture today and acquiring a sociocultural perspective. In addition, because this practice itself is connected to music education with a pragmatic perspective, it is stronger and more expansive than teaching methods that focus on historical contexts and consider the “meaning and role of music” Moreover, it leads toward music education with a pragmatic perspective.

  This research aims to clarify the significances and directions of music classes using popular music by focusing on their sociological and political contexts. The problem with practices related to popular music is that they do not capture the original essences of the music. Therefore, this research looks at the sociological and political contexts and the essences of the music, using the method of musicology after post-modernism. In doing so, this paper relies on British sociologist and popular music researcher Simon Frith and discusses the essences of popular music while comparing with those contexts of classical music.

  Through discussions on issues surrounding sociological and political contexts, the following could be concluded. ① Popular music can not be thought of without considering sociological contexts. ② Popular music has transformational flexibility depending on mass media, so it tends to be linked to political contexts. To understand popular music from these essences gives students new viewpoints of understanding the music, so it has significance in that it may lead to the expansion of their view of music.

  From this point of view, this paper pointed out some problems in the field of listening and singing that are often dealt with, and clarified the specific directions. The following consideration results were extracted. ① Many music classes using popular music focus on historical contexts. ② Many are the main objective of understanding features of the music. In these respects, the present situations in which the essences of music were not captured became evident. I can point out that the viewpoint and the directions to overcome this situation not only to understand the music from the historical and cultural contexts noted in the Instructional Guidelines but also by understanding the music from the sociological and political contexts.

　ロック音楽はまだ 50 年ほどの歴史しか持っていない。しかしその成立過程を辿ってみると、現代史をそのまま映す鏡のような存在であることがわかる。1950 年代アメリカで生まれたロック音楽は、凄まじい勢いで世界に広がった。現在も世界中に溢れているポピュラー音楽の原型がここにあるといっても過言ではない。それは 18 世紀後半、近代西洋音楽の原型がウィーンで形成されたことと多くの類似点を持つ。50 年代のアメリカ音楽の影響から 60 年代イギリスでビートルズがロック・ バンドの原型を確立し、ロック音楽が急速に発展した 70 年代にあるピークを迎えたのではないか。なぜならこの時期に、レッド・ツェッペリンをはじめとする最も内容の充実したものが生み出され、またそれらに対して破壊を意味するパンク・ロックが急速に生まれ去っていったからである。それは 20 世紀前半までに近代西洋音楽が辿った歴史と類似する現象であることに気づく。このサイクルを比較検証することで、音楽創造の盛衰の循環と歴史性を確認し、現代における音楽創造の在り方を考える一助にしたい。

本特集は，アフリカの脱植民地化に影響を及ぼしたことで知られる黒人文化総合誌『プレザンス・アフリケーヌ』創刊70周年に前後して同誌の共同研究を進めてきた文学・文化人類学の専門家による研究成果の集成である。

『プレザンス・アフリケーヌ』誌は，A.セゼールやL.S.サンゴールといったカリブ・アフリカ出身の文化人にとってかけがえのない創作の場であったばかりでなく，政治，経済，歴史，教育等の専門家が集う学術分野を超えた集団討議の場でもあった。主要言語はフランス語であるが，英語圏からの執筆者もおおく，スペイン語やポルトガル語による作品も掲載された。また同誌は黒人のみに開かれていたわけではなく，創刊にはJ.-P.サルトルやA.ジッドといったフランスの白人知識人が参加した。またプレザンス・アフリケーヌは，アフリカ系知識人の作品を送りだしてきた出版社でもあり，第1回黒人作家芸術家会議をはじめとする歴史的イベントを組織した事業体でもある。

序論である本稿では，言論媒体であると同時に多種多様な人々の交流と混淆を促す運動そのものでもあったプレザンス・アフリケーヌの相貌を概観し，この文化複合体を研究することの今日的意義を明らかにする。