絵画画像を対象にして，画面上の色彩変化の大きさ（波長）に対し，色変化の大きさを対応させる「波長分析」としてHaar基底などの完全正規直交系を用いて，その展開係数をもとに色変化の強度を求め，絵画画像の色彩変化の特徴を計量的にとらえることを試みてきた．Haar基底のような階段関数系は色変化の強度を１波長の中の平均色差に類似した量ととらえられる一方で，画面を均等に分割することにより，何等かの意味でひとまとまりとしてとらえるべき色変化を分割して計量してしまうことにつながる．そこで，画面の分割方法の自由度について検討を行ってきた．Haar基底のような2等分ではなく，再帰的に3等分する基底系を考案するなどしてきたが，均等な分割での限界は明らかであり，本研究では任意の分割を許容する2次元の基底系を作ることを検討し，離散COS変換やHaar基底と比較した．結果として絵画画像のタッチ等をより明確に捉えることができることがわかった．

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熊本大学薬学部薬用植物園は1927年開設の歴史ある薬用植物園である。9,364㎡の敷地に約1,500種の植物を植栽している。その中には、旧藩時代の薬園「蕃滋園」に由来する植物のほか、多くの希少植物もある。また、園内に新設された研究棟には世界各国の伝統薬のほか様々な芸術作品が展示されており、アートとサイエンスが共存する空間となっている。そのほか、当園が取り組む研究、教育、社会貢献について紹介する。

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視覚情報は脳の２つの視覚経路で処理される．視覚情報はその過程で，形，色，奥行き，動きの４つの要素に分解され解析される．しかし，脳はこれらの情報を，コンピュータのように詳細に分析するのではなく，適当に解釈を加える．その結果，様々な錯視が体験されることになる．

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幅広く画像を取り扱う画像科学・工学者である私たちは，画像情報の取得やさまざまな画像処理を行い，さらに画像の出力を行っています．今日現在の21世紀に至るまで，多くの画像科学・工学者が存在してきました．そうした先達の中には，絵画を描いた画家たちがいます．現在の画像科学・工学者が，過去の画像科学・工学者たちが作り上げた「油絵」を美術館で眺める時には，“自分たちの経験・今現在の悩み”を思い起こしながら先達の技術に感心・感動してしまうものです．本解説では，画像科学・工学者向けの，油絵の上に現れたひび割れの楽しみ方を紹介します．

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色は光の反射によって生じる現象であり，色と光（光源）の種類や波長，その構造は密接に関連している。本稿では，特殊な波長をもつ光源の種類や，各種光源の分類，発光原理に加え固体発光素子であるLEDおよびレーザー光源について解説した。さらに，産業で色彩を判断するための標準光源について説明し，光や色が人間に与える影響について，具体的な商品開発現場から，その経験を含め解説し，医学的な観点からの色彩について述べた。

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質感は，光沢感，立体感，凹凸感，透明感など，人が材質に対して感じる視覚的，触覚的な感覚を指す．貴重な文化財を眺める時であれば，そうした質感情報を通じて，強い印象や豊かな満足を人は得る．近年，印刷やCG技術が大きく向上し，質感表現を活用したビジネスが創出され始めている．我々は，従来の色のみを扱う画像の世界から，質感情報を応用した領域へ技術開発やビジネス展開を進めようとしている．本稿では，文化財保存·高品質複製を踏まえた質感再現技術を紹介するとともに，質感の定量測定を容易に行うことができる「質感測定器·表面反射アナライザー」について紹介する．

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洋の写実的な絵画空間は, 線遠近法の発見にしたがって見えるように描けるようになった。また画面上の陰影表現は, 2次元の画面に3次元の空間を仮象的に描きだすために重要な技法の一つである。空間を明確に再現しようとするときに, 光が描かれなければ対象の立体感は弱くなるが, 陰影表現が巧みであれば, 果たして描かれた空間を確実に認識できるのだろうか。本稿では, 写実的な日常生活を描いたフェルメールを取り上げて, その空間と陰影表現を図法的に探る。フェルメールは透視図法によってその作品を描いたのではなく, カメラ・オブスクーラを用いたとも言われている。画面上の光の描出の特徴から, カメラ・オブスクーラの使用を想像させるが, ここではそれを解明するものではなく, 彼が描こうとした情景に, どのような光と陰影を意識していたかを考察する。結果として, 彼の描いた空間は透視図的には精確に形づくられていた。陰影表現については, 「陰」は描かれているけれど, 「影」は精確に描かれていなかった。そのために一体感を欠いた空間になっている。フェルメールの画面に感じる時間が止まったような印象は, これらの要素にかかわると思われる。しかし彼の描こうとした世界が, 単に日常生活の情景ではなく, 教訓的なメッセージをもった物語であれば, フィクションとしての描かれたその世界は充分に伝わってくる。観者は精確に陰影が描かれずとも, 空間やものの形を認識できるから, 物語を読み取ることができる。

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In Johannes Vermeer's interiors, we feel a realistic space by lifelike depiction. Besides his interiors have characteristic tense composition. In this research, I studied the quality of Vermeer's pictorial space, analyzing the relations between the composition of painting and the perspective in his three works. The room in these works is closed space which has clear relations of situations by one point perspective. Vanishing point overlaps the figures's eyes which are main theme in the composition of painting. Therefore, the centripetal picture with a clear perspective makes three-dimentional composition in the room's space, keeping the relation of the direction of eyes between a person looking at the picture and the pictorial figures. Moreover, the depiction of rays mends unnatural point of the perspective at the same time, and emphasizes the center of each theme in the composition more. So, the effect by correct perspective and the aim of the composition of painting are united. The perspective in the Vermeer's pictures are utilized effectively, for the purpose of setting clear relations of situations of motives arranges in the room, having relations between the eyes of a person looking at the picture and the composition of painting, and making tensioned pictorial space.

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This research aims to clarify the expression of urban and architectural space in the western paintings. The western paintings have played the role as media that transmit the myths and the religion intuitively plainly by using a sight expression for people who cannot read the letter.We choose the West painting from Renaissance age when three-dimensional space expression in screen until neoclassicism age on the model of high ethics of ancient Greece and Rome art and analyze 1051 paintings

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Are colors selected instinctively and sensuously? The answer is that multifaceted and complex factors are actually involved in color selection. It can also be said that sense is directed based on various aspects such as the colors of the landscape in the region where we grew up, culture that we have experienced, likes and tastes, and predetermined rules of colors.
In the fashion business industry, fashion trend colors are semiannually announced by the organization called Intercolor, or the International Study Commission for Color, about two years prior to the actual season. The selection of color trends are in fact pre-planned to some extent. The same holds true for the food industry. The combination of different ingredients (colors) and also of colors of dishes that food is served on is designed according to certain rules, and additionally every effort is always made to make people feel comfortable when eating.
Design is closely related to colors and tends to be regarded as being seemingly ambiguous. Design, however, is not created based solely on our senses alone.
It is thought that we can enjoy more comfortable living by understanding and analyzing color harmony and basic design that are recognized to be favorable by chromatologists in their long-term research, and also by successfully using the combinations of colors. After all design and color significantly contribute to making our life more comfortable.

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This paper reviews the aims and history of optical research in the conservation and restoration of artworks, which is becoming increasingly recognized in recent years. Exhibitions in which artworks and their visual photographs are displayed side by side have increased, but what is the scope of these? The possibility of employing ultraviolet, infrared, X-ray, and stereomicroscopic research as basic optical research methods will be discussed based on recent cases.

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In 2004, The National Research Institute for Cultural Properties Tokyo announced astonishing results of the scientific research on OGATA Korin's Folding Screen with Red and White Plums. According to the report there were many discoveries previously invisible to unequipped eyes not only of us but also of trained art historians of Japanese art, but among these discoveries the most surprising one to the art historians was the fact that Korin did not use gold leaf for its background but only coated it with gold-dust and a kind of vegetable dye called Kariyasu. They were forced to alter their interpretation on the authorial intention and concluded that the intention of the author was to make believe his audience. But does the significance of the scientific research or technical examination end up with the mere alteration of authorial intention? Is it enough to shift the interpretative responsibility onto the silent author? To make this point clear I examined whether the discovery can be exhaustedly interpreted with the frame of "partial and moderate intentionalism". After comparing the interpretation of pentimento revealed in Johannes Vermeer's Young Woman Reading a Letter at an Open Window and of gold-like depiction in Nicolas Poussin's The Adoration of the Golden Calf with Korin's case, it becomes clear that the real significance of the scientific research is in the revelation of some wrong interpretative assumptions with which art historians of Japanese art interpret their object, especially their arbitrary use of genre. In addition it also revealed the prevalence of another interpretative method which does not aim at authorial intention. It is the method that treats every single point on a painting as perfectly equivalent material with no regard to genre, subject, motif, nationality, and authorial intention.

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