In seiner Metaphysik definiert Baumgarten den Begriff des Urteils (iudicium) oder Urteilsvermögens (facultas diiudicandi) als „die Wahrnehmung der Vollkommenheit der Dinge“ (Met.§606). Eine solche Definition erscheint im Kontext der deutschen Philosophie jener Zeit, die das Urteil überhaupt in der propositionalen Form definierte, merkwürdig. Außerdem führt er einen Begriff des „sinnlichen Urteils (iudicium sensitivum)“ ein. Wie lassen sich diese Bestimmung des Urteils in Bezug auf die Genealogie der Begriffe desselben charakterisieren? In diesem Aufsatz wird diese Frage im Zusammenhang mit den Genealogien der Logik, der Psychologie, der Poetik und der Geschmackstheorie untersucht. Daraus lassen sich die folgenden vier Hauptschlussfolgerungen ableiten. (1) Baumgartens Bestimmung des Urteils hat ihre direkte Herkunft in der damaligen deutschen Geschmackstheorien (König und Gottsched usw.) und ist in das metaphysische System der Wolffischen Schule eingebunden. (2) Diese Bestimmung beruht ebenfalls auf propositionalen Formen, betrifft aber die Beurteilung von compossibilitas zwischen den Wahrgenommenen in einen Seienden. (3) Sein sinnliches Urteil hat eine Vorläuferform in Avicennas Beurteilungskraft (vis aestimativa), ist aber insofern neu, als es allein von Sinnesbildern abhängt. (4) Sein Vernunftähnliches (analogon rationis) umfasst viele der Erkenntnisvermögen, die in der vorläufigen poetologischen Theorie und der Geschmackstheorie verwendet werden.

抄録全体を表示

Everyday aesthetics is a field of contemporary aesthetics that has been actively discussed since the 2000s. To understand the conflict between “restrictivism” and “expansionism” in this field, the theory of aesthetic experience developed by John Dewey in Art as Experience (1934) plays an important role. The restrictivists emphasize the importance of focusing on the most mundane aspects of the everyday and revealing its aesthetic characteristics. The expansionists attempt to construct an aesthetics of the everyday by using special moments in the everyday as the exemplar. The expansionists are generally more friendly to Dewey’s aesthetics, and some restrictivists are critical to it. By focusing on the differences in interpretation of Dewey’s aesthetics, this paper attempts to show a path toward a developmental resolution of the conflict between the two positions in contemporary everyday aesthetics. In particular, referring to the discussion by Kalle Puolakka, I focus on the concept of “rhythm” by Dewey and argue that his theory of aesthetic experience enables us to capture the problems of constructing and maintaining everyday life that the dichotomy between restrictivism and extensionism has obscured.

抄録全体を表示

The purpose of this paper is to examine Clement Greenberg’s essay “Avant-Garde and Kitsch” (1939) in relation to the debate that was developed in Partisan Review, the magazine in which the essay appeared. At the end of the 1930s, Partisan Review was fiercely criticizing the People’s Front movement which supported Stalinism. In doing so, however, it became necessary for them to redefine the relationship between art and politics. This paper will examine the discussion of “Avant-Garde and Kitsch” as an attempt to answer this question. First, it will be pointed out that Greenberg’s apparent emphasis on the autonomy of art shares a position with the criticism of the leftist literary movement in Partisan Review, and that he by no means sees art as nonpolitical. Next, I will point out that Greenberg’s criticism of kitsch is made from the same perspective as the criticism of the People’s Front in Partisan Review in that it criticizes deception and falsehood in American capitalist society. Finally, I will clarify that Greenberg calls the attitude of resisting such deception and falsehood “positivism” and characteri

抄録全体を表示

This paper aims to make clear how the arranger pulls the ikebana flower out of the vase. If life of an organism can be defined, as Hans Jonas [1994] points out, by metabolism, the flower keeps its life even after being cut off the root. But it is brought to death through the arranger’s act before it stops metabolism; they do so to keep its beauty. I argue two aspects of touching are involved in this act. In arranging the flower, the arranger takes an interactive or cooperative action of fureru (to feel), which Sakabe Megumi [1983, 1989] distinguishes from a one-way action of sawaru (to touch). They perceive to what arrangement the flower is inclined by feeling it. But in pulling it out, they take a sawaru action, which includes, as Ito Asa [2020] observes, getting in contact with a taboo or the inviolable such as death. By putting the flower to death, they save it from a disgraceful appearance and give it a definite, beautiful form.

抄録全体を表示

This paper examines the criteria for determining appropriate emotional responses in appreciation of fictional works. It delves into the mechanisms that govern the standards for emotions such as sadness in watching tragedies or fear in horror films. I advocate for and refine the design theory, which posits that appropriate emotions are those the work is designed to elicit. The initial section elucidates the concept of aptness of emotion, differentiating them from ethical and communicative normativity. In the subsequent section, I scrutinize various rudimentary theories concerning appropriate emotions (including empathy theory, intention theory, and similarity theory), identifying their respective limitations. The third section analyzes J. Gilmore’s design theory to elucidate an ambiguity in the argument. Lastly, the fourth section explores the influence of genre on determining apt emotional responses.

抄録全体を表示

La Naissance de Bacchus de Nicolas Poussin (Cambridge, Fogg Art Museum, Harvard Art Museums), peint en 1657 pour Jacques Stella, représente la scène où l’enfant Bacchus est confié aux nymphes de Nysa. Mais en marge de la scène, le peintre fait figurer Narcisse et Écho en train de disparaître. Poussin crée ici une image originale, en combinant plusieurs textes : les Métamorphoses d’Ovide, les Images de Philostrate, et la Mythologie de Natale Conti. Ce choix témoigne des intérêts du peintre. En particulier, Poussin prend pour sujet dans cette œuvre les mythes de Béotie, ce qui reflète son attachement à raconter l’histoire des lieux. Le troisième livre des Métamorphoses est entièrement consacré aux mythes béotiens, et tant la fable de l’enfance de Bacchus que celle de Narcisse y sont incluses. Si nous considérons le tableau de Poussin comme une représentation de l’histoire de la Béotie, il est possible de penser que Jupiter buvant le nectar fait référence à une scène de l’épisode de Tirésias. D’autre part, Poussin restitue l’iconographie d’une peinture ancienne en se basant sur l’ekphrasis de Philostrate, et décrit le cycle de la fertilité et la stérilité dans la nature, ce qui nous rappelle le texte de Conti.

抄録全体を表示

Le XVIIe siècle correspond à une période de sécularisation croissante de la culture française dans son ensemble, mais aussi à une ère de prospérité pour la peinture religieuse. Cet article aborde le concept de grâce, terme important depuis Vasari, dont les significations esthétiques et théologiques étaient indissociables aux XVIe et XVIIe siècles. Félibien lui-même, dans son premier discours sur la grâce, l’associe à une splendeur divine, et au je-ne-sais-quoi céleste. Cependant, lors des débats théologiques sur la grâce et le libre arbitre qui ont resurgi en France, en particulier dans la controverse littéraire sur le je-ne-sais-quoi entre les Jésuites et le Jansénisme, les idées calvinistes et jansénistes qui séparaient la grâce divine de l’expérience personnelle ont été progressivement intégrées à une conception esthétique de la grâce. C’est l’un des facteurs incontournables qui a conduit la peinture religieuse à se détacher de sa fonction sacrée, et à se tourner vers l’effet de coloris comme peinture à part entière, pour le plaisir visuel du spectateur. L’analyse de l’évolution du discours Félibien et du discours sur Le Ravissement de saint Paul, de Poussin, dont le thème est la grâce, permettra de confirmer le rôle du critique d’art Félibien dans ce courant.

抄録全体を表示

Mariamne, by John William Waterhouse, depicts a dramatic scene in which an ancient Jewish queen is falsely accused and leaves the courtroom to face execution. In the same work, Waterhouse uses a lot of white in the queen’s costume and the marble staircase. However, the reason for Waterhouse’s devotion to using “white” has never been explored. This paper will identify the reception of Mariamne-themed literature in 19th century Britain and the symbolism of the color white with its diverse meanings. Waterhouse may have dared to depict Mariamne dressed in white to show her “innocence” and “holiness” as well as “madness” in court. Contemporary critics of Mariamne praised Waterhouse’s ability to tackle the difficult task of creating a white on-white scheme and color expression, one that was extremely difficult to achieve. While contemporary painters influenced by Wilkie Collins’s The Woman in White painted images of women in white, Waterhouse tailored the image of the “woman in white” to be accepted by the Academy as the main character in a history painting depicting an ancient Jewish queen.

抄録全体を表示

From the standpoint of painting techniques, this study examines how Kunitaro Suda’s (1891-1961) composition of the image by contrasting light and shade and the utilization of the lower layer of the painting by “scraping” were influenced by Max Doerner’s (1870-1939) painting technique manual (i.e., Malmaterial und seine Verwendung im Bilde: nach den Vorträgen an der Akademie der bildenden Künste in München, Muenchen, 1921). The system of classical painting techniques outlined in this book, which involve the iterative application of glaze and white for heightening, has an orientation that emphasizes the contrast between light and dark from a technical standpoint. Furthermore, the book’s descriptions caution against excessive covering of the underlayer and suggest employing optical gray, which may have forced Suda to use the “scraping” technique that constantly exposes the underlayer. By employing classical painting approaches, Doerner advocated for a novel painting technique based on the layered configuration of paintings, as opposed to the prevalent “alla prima” painting method at the time. By applying this multilayered painting technique in his works, Suda demonstrates the attributes of “modern figurative painting,” wherein the focal point is placed on both the painting technique and material composition.

抄録全体を表示

La période postmoderne a favorisé la dématérialisation et la désinstitutionnalisation des œuvres d’art ; dans ce contexte, les artistes ont expérimenté d’une manière alternative différentes formes d’œuvres, rendant souvent difficile leur présentation dans le cadre d’une exposition contemporaine, et le partage de l’expérience artistique. Dans cet article, nous clarifions comment le partage des expériences artistiques vécues peut être réalisé lors d’expositions posthumes, par exemple celles de l’artiste brésilienne Lygia Clark (1920-1988), pionnière de l’art participatif. Nous examinons plus particulièrement l’exposition rétrospective « Lygia Clark: de l’œuvre à l’événement » (2005-2006), par le biais de la théorie des archives, en tenant compte des problèmes que peuvent rencontrer les expositions contemporaines, tels que l’étalage d’objets utilisés dans la pratique participative ou encore le manque de partage de l’expérience artistique qui devrait être au cœur de l’œuvre. Il ressort de cette étude qu’il est important de construire une nouvelle fiction à partir d’une documentation statique et dynamique sur l’œuvre, afin que l’expérience vécue puisse être activée et partagée à nouveau, même après la disparition de l’artiste.

抄録全体を表示

Der vorliegende Aufsatz untersucht Texte aus dem ausgehenden 18. und dem frühen 19. Jahrhundert im Hinblick auf ihre These von der Wirkung des zerstreuten Hörens auf Seele und Leib. Demzufolge hat eine gewisse Zerstreuung der Aufmerksamkeit, deren Idee aus der Zusammenführung zeitgenössischer Theorien von Rhythmus und Aufmerksamkeit entspring, eine positive Wirkung. Im ersten Abschnitt werden die Theorien zum Rhythmus, im zweiten Abschnitt diejenigen zur Aufmerksamkeit behandelt. In den ersteren wurde eine dualistische Struktur von Rhythmus und Takt postuliert. In den letzteren wurde einerseits die Aufmerksamkeit als das Vermögen zu selektiven Wahrnehmung wertgeschätzt, anderseits die Wirksamkeit festgestellt, die Aufmerksamkeit willkühlich abzulenken. Auf dieser Basis wird im dritten Abschnitt an den zeitgenössischen Texten, vornehmlich dem Artikel „Rhythmus, rhythmisch“ in J. G. Sulzers Allgemeiner Theorie der schönen Künste herausgearbeitet, dass der gehörte Rhythmus als etwas galt, das die Aufmerksamkeit der Arbeiter auf ihre Arbeit teilweise zerstreut und ihre Ermüdung damit lindert. Dabei ist einerseits der einfache Arbeitsrhythmus der Anfang höherer, mehr künstlerischer Arten des Rhythmus, andererseits verbessert er die Arbeitsproduktivität. Zum Beschluß werden Bedeutungen diskutiert, die dieses zerstreute Hören in der modernen Industriegesellschaft hatte.

抄録全体を表示

Mutter Krausens Fahrt ins Glück (1929, Regie: Phil Jutzi) ist ein Zille-Film und einer der typischen proletarischen Filme der Weimarer Zeit. Dieser Aufsatz versucht zu verifizieren, dass der letzte Zille-Film die Figur Zilles so verwendet, wie ihn sich die meisten Menschen damals vorstellen, um die Leute in Berliner Arbeiterbezirken als die vom damaligen linken Lager genannte „soziale Wirklichkeit“ darzustellen. Der Aufsatz besteht dafür aus drei Abschnitten: Zunächst wird Zilles Figur als ein betrachtender und protokollierender Mensch, der enge Beziehungen zu den Leuten in den Arbeiterbezirken hat, erklärt. Danach wird erwogen, wie diese Figur im Film verwendet wurde. Hier wird klar, wie in den damaligen Artikeln und dem Film gezeigt wird, dass die Produzenten des Films die Figur von Zille nachgeahmt haben, um den Film zu drehen. Zuletzt wird vertreten, dass die Verwendung der Figur von Zille ein Versuch war, eine Art der Wirklichkeit auf eine andere Weise, als sogenannter bürgerlicher Film, zu zeigen. Was wird als Wirklichkeit dargestellt und wie? – Das Problem besteht noch immer bis heute. Eine Auseinandersetzung mit dem Problem in der Weimarer Zeit und eine Antwort des proletarischen Films mit einer weiterverbreiteten charakte

抄録全体を表示